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Residence as promotion of the territory, as exchange, experimentation, research. Residence as a place of artistic and human formation.


"The human body becomes a" navigator "in the complex system of communicative geographies of the city where the languages ​​of art interact in a continuous territory of exchange where technology and poetry dictate the coordinates of the paths of new urban wandering”.


Starting from this definition of the concept of residence, the focus shifts to a redefinition of the relationship between BODY AND SPACE and the concept of DECENTRALIZATION OF ART from a spatial and consequently social and economic point of view.




If the urban space becomes the theater of daily life, the city becomes, in this sense, a "found" space, in which the actors, or performers, must interpret the space with its physical and social limitations.


"The use of space is not neutral, and the functional and aesthetic organization of theaters and cities proves it. In "alternative" theatrical places, the bare walls, or the performance of the structure of the scene that highlights the "theatrical fiction" (Schechner, 1968, 45), and moreover their unusual location that makes us forget the symbol theater, contrasts that sort of "fetishism" of the staging which, for example, hides the walls of the stage backdrop with sumptuous scenographies, in a similar way to that "commodity fetishism" through which, according to Marx, "money and the market drop a 'mask' the social relationships between things "(Harvey, 1990, trad. it. 2002, p. 129). Moreover, in traditional theaters there is a rigid separation of access for the public and for artists, so, again according to Schechner (1984, 122), "an expedient to separate the production of goods from their trade, is to hide all preparations for buyers “.


Very often, however, it is not possible to find this separation in alternative theatrical spaces, in which the social and consumer relationships that are established both between the artists and the audience, can be very different, more horizontal and less codified, than happens for the use of the shows in a conventional theater.


What has been said so far also requires reflections on the phenomena of public mobility, and therefore on the ways of appropriating certain cultural resources distributed unevenly across the territory.




Decentralizing art - also from an economic, as well as social and spatial point of view - means acting on people's cultural practices and experiences, in order to make livable (in all senses) not only the city but also that cultural part - increasingly significant - of its service offering. The decentralization of art therefore proposes a virtuous development model, based on the ability to invest in the relationship with the audience, in order to increase the advantages and opportunities of exchange and comparison.

A development model that focuses on the responsibility of organizations towards the goals of involvement and synergy with the territory, and, above all, on the ability to generate networks of mutuality in the territory and to convey those values ​​capable to bring a substantial improvement in quality of life in the community. A strategic behavior that believes that cultural production must necessarily measure itself against the patient construction of an impact on the communities by paying more attention to the needs of its residents and at the same time learning to detect and react to them.




The architecture of the so-called "alternative" theatrical spaces is connected to their location in the urban space as a qualifying element from the symbolic and social point of view, but in a very different way from the historical theaters or in any case from the more or less general and shared idea of ​​what is a theater. These spaces are born with a utilitarian purpose (for example a former workshop), and often arise in decentralized areas, normally assigned to other activities, almost always non-cultural, linked to the mobility, residence or service mechanisms of the urban community. The contemporary urban environment is strongly marked before the hegemony of Italian-style theaters - the type of show building predominant in European culture from the 16th to the 19th century - and then by the loss of meaning of the institution-building as a norm. The American director and anthropologist Richard Schechner speaks of theaters "with the proscenium" referring to the spatial structure derived from the Italian theater, internally structured by the elements that define and separate the hall and the scene (Schechner, 1984, pp. 121-123). As for the interior, in fact, a first difference between traditional and alternative spaces lies precisely in this architectural separation, rigid and culturally codified, made possible by the proscenium arch.

Moreover, in the XX century alternative spaces became a point of reference for those artists who, refusing the ordinary canonical structure of the Italian theater, "frontal, distancing, unchangeable", were induced "to abandon the old theatrical buildings but not so much to enter new theatrical buildings" - this is the significant figure - "as to devote themselves to the use or reuse of non-theatrical spaces: sheds, warehouses, garages, cellars, deconsecrated churches; and then open places: squares, streets, courtyards, etc. Rather, being on the margins means being decentralized with respect to a conventional theatrical system. Sometimes we could also refer to the fact that they target less extensive audiences. In theaters, therefore, there are particular artistic-aesthetic and "institutional" conventions determined by the codes used in theatrical communication and by particular proxemic conditions, which suggest how to behave in the space where you are, and above all communicate a particular “situation”.





An examination of the territory with respect to the distribution of theatrical rooms would allow us to grasp both the aspects related to the organization of this activity, and the artistic and aesthetic dimension of it, as well as the social and cultural uses that its insertion in the urban structure entails. The position in the city is an important element of the identity of a theater and is in fact "decisive in the attitude of the public" with respect to it and its programming, together with the characteristics of the building, the capacity and finally the history and tradition of the room. In fact, in the chronological and geographical extension of the events that have been taken on as a theater, it should be noted that there are very limited numbers of those pertinent to the theater building as a place equipped and designed specifically for shows. Instead we find theater in fairs, in markets, in the gathering spaces of a community; in places of worship, in churches and in churchyards; in the squares, in the streets, in the courtyards. So, together with theaters as clearly identifiable physical places, it is the same organization of urban space, yesterday as today, that often acts as the territory of theatrical performances.




The "spaces found" will generally be environments and places (indoors and outdoors) more or less strongly marked and structured from an architectural and / or urban point of view: the interior of a church, the hall or the courtyard of a ancient building, a cloister, a square, a street ". Among these places, however, there are also the disused peripheral industrial spaces, "places of industrial archeology, such as old factories", that is, spaces strongly connoted symbolically, such as the Lingotto of Turin, used by Luca Ronconi in 1991. Many of the examples cited so far show what kind of relationship can exist between a former factory, such as the Turin Lingotto or like the old Mira Lanza factory, now home to the Teatro India in Rome (“Scenic location alternative to the Italian theater “), and the adjacent area, the result of cultural and urban rethinking that highlight a gap with the city-consumption, now exemplified by the redeveloped historic center - except for the interstices already mentioned - and by the shopping centers. Some of these initiatives fall within more or less relevant cultural and social projects, supported by local institutions, such as municipalities, with the purpose of social redevelopment and functionality of areas of the city.




As an example and testimony of what has been said, in my personal experience I can include the MULTI-ANNUAL CONTEMPORARY DANCE “ARCHEODANZA” PROJECT among the various residency projects hosted or / and co-produced. (which was born with the production of Il Secchio d'Abete by La Signora delle Vigne by Ghiannis Ritzos, represented in its first version within the Nuragic complex of Barumini Su Nuraxi, _ entered since 1997 on the UNESCO World Heritage List).


The places that host contemporary dance identify themselves as “logos”, or cultural identities with the dual purpose of telling and welcoming the project / residence. It is an artistic project based on the contamination between visual art, historical-cultural heritage and live entertainment. The itinerary of the residences and shows takes place among ancient archeologies in a project to promote and enhance the historical heritage.


ARCHEODANZA was born in 2006 as an extension of the ten-year urban project DANZARCHITETTURE and both projects called "ARTISTIC SITES", emphasize the contemporary value of the "walls", intended as "former place", place to defend the culture and history of the city, more precisely to preserve our culture and memory, and again, both projects underline the goal of training and raising awareness among the young public and adults, through active participation in particular places for their preciousness and the activation of different forms of design and intervention, which involves artists from different backgrounds. The national - transnational diffusion of the experience of the creative process places the emphasis on the different cultural methodologies. The circulation of the works produced within the Spazio mother worksite - container of the residence activity - takes place through highly spread communication channels such as: - seminars, conferences, reviews, festivals, website and using the language of video docu // film as a communication tool. This allows to extend the research and the cultural product that will not end in space and time related to the duration of the project, but will open up to the continuous generation of the multicultural dimension, even beyond the borders of the territory of Sardinia.


Officina delle arti sceniche e performative

TEASER - RAÍZ _ Chey Jurado
Docufilm INTERCONNESSIONI_residenza artistica 2019

Docufilm INTERCONNESSIONI_residenza artistica 2019

Residenza Artistica 2° annualità “Interconnessioni” Determinazione del Direttore del Servizio Sport, Spettacolo e Cinema n. 648 del 12.06.2019 “Artisti nei territori”, progetto “Interconnessioni” - in accordo con Regione Sardegna e MiBACT realizzato dall’Associazione Tersicorea Direzione artistica: Simonetta Pusceddu con il sostegno di Regione Sardegna, MIBAC Ministero per i beni e le Attività Culturali Soprintendenza Archeologica, Belle Arti e Paesaggio per la Città Metropolitana di Cagliari e le Province di Oristano e Sud Sardegna. CEDAC Circuito Multidisciplinare dello spettacolo in Sardegna in collaborazione con CASA LUFT, Arca del Tempo, Cooperativa Specus, Comune di Settimo S. Pietro, Comune di Selargius, Comune di Sinnai, Proloco Settimo san pietro, Cooperativa Bios Sinnai Accordi di residenza Zerogrammi Torino PERIFERIE ARTISTICHE_ Centro di Residenza Multidisciplinare della regione Lazio, Tuscania a cura di Twain Artisti in residenza “Coma” Diego Sinniger, Kiko Lòpez, Shaquille George, Helena Canas, Fanny Laï Direzione e ideazione: Diego Sinniger interpreti: Diego Sinniger, Shaquille George, Kiko López, Helena Canas e Fanny Laï Drammaturgia: Marc Sans Coëffard produzione: Bernabé Rubio e Javier Casado Distribuzione: Bernabé rubio (Rotativa Performing Arts) “Elegia delle cose perdute” progetto, regia e coreografia Stefano Mazzotta creato con e interpretato da Amina Amici, Lucrezia Maimone, Simone Zambelli, Damien Camunez, Manuel Martin, Miriam Cinieri, Gabriel Beddoes Interpreti residenza Progetto filmico La Compagnia zerogrammi, Alessio Rundeddu, Sara Angius con la speciale partecipazione di Loredana Parrella PERIFERIE ARTISTICHE_ Centro di Residenza Multidisciplinare della regione Lazio, Tuscania a cura di Twain collaborazione alla drammaturgia Anthony Mathieu progetto video Massimo Gasole/Illador Film make up Federica Li vocal coaching Elena Ledda, Simonetta Soro luci Tommaso Contu segreteria di produzione Maria Elisa Carzedda produzione Zerogrammi coproduzione Tersicorea T Off (It), La meme balle – Avignon (Fr) con il contributo di INTERCONNESSIONI/Tersicorea T Off, PERIFERIE ARTISTICHE - Centro di Residenza Multidisciplinare della Regione Lazio - Supercinema, Tuscania Artisti ospiti Quartetto Andhira: Luca Nulchis, Elena Nulchis, Egidiana Carta, Elisa Zedda e il Coro di Canti Popolari della Scuola Civica di Musica di Sinnai “Storie da Vinci” Compagnia IS MASCAREDDAS Donatella Pau, Musiche dal vivo Silvia Corda Oggetti e animali Donatella Pau,Tonino Murru, Mimmo Ferrari Il Collettivo de “gli erranti ” Sara Piui Perra, Sara Vasarri, Elisa Zedda, William Wallace, Ado Sanna, Amedeo Podda, Giorgia Damasco, Valentino Bistrussu, Alessio Rundeddu, I musicisti a bordo del Bus Francesco Cocco Armonica, Gloria Bellu Chitarra/voce Voce Elisa Zedda La Banda Giuseppe Verdi di Sinnai Con la straordinaria partecipazione di: Bonaria Ghironi Spazi di residenza - Cucuru Nuraxi e il complesso archeologico (assegnato dalla Soprintendenza belle arti e paesaggio per la città metropolitana di Cagliari e le Province di Oristano e Sud Sardegna) - Arca del tempo - Casa Dessi Comune di Settimo San Pietro - Vicoli, Piazze, Case abbandonate, cantine e luoghi indicati dall’amministrazione pubblica come rappresentativi della memoria del paese. Collaborazioni tecniche: Enrico Sau, Tommaso Contu, Gianni Melis Tecnico/Logistica: Gerardo Jonas Gouveia Villarroel, Alvaro Sebastian Perez Sobrado Fotografia: Federica Zedda Video maker: Massimo Gasole, Damiano Picciau, Operatore drone: Alberto Masala Collaborazione amministrativa: Cristina


Crediti una creazione di/a creation by Lucrezia Maimone   in scena/on stage Lucrezia Maimone, Damien Camunez   ambiente sonoro/sound and music Lorenzo Crivellari   violino/violin Elsa Paglietti   coaching coreografico e drammaturgico/choreographic and dramaturg advice Stefano Mazzotta   effetti magici/magic effects Jonathan Giard   disegno luci/light design Tommaso Contu   fotografia/photography Stefano Mazzotta   produzione/production Zerogrammi   con il contributo di/with the contribution of Interconnessioni 2018/Tersicorea (Cagliari) CeDAC Sardegna   con il sostegno di/with the support of Regione Piemonte, MIBAC - Ministero per i Beni e le Attività Culturali progetto vincitore del Premio/Project winner of the prize CollaborAction Kids XL#1 2018 - azione del Network Anticorpi XL | Cantieri Danza | Solares | Amat | Arteven | Fondazione Teatro Comunale Città di Vicenza | La Piccionaia | Fondazione Piemonte dal Vivo | Teatro Pubblico Pugliese | C.L.A.P. Spettacolodalvivo | Armunia | FTS Onlus | ACS | Centro Servizi Culturali Santa Chiara | FIND. Un ringraziamento speciale a Stefano Mazzotta per l’immenso sostegno e il preziosissimo accompagnamento artistico, Simonetta Pusceddu per l’inestimabile appoggio e fiducia, giorno e notte, Anthony Mathieu per la compartecipazione e complicità. A special thanks to Stefano Mazzotta for the immense support and the precious artistic advice, Simonetta Pusceddu for the invaluable support and trust (day and night), Anthony Mathieu for the sharing and complicity. Nel complesso viaggio che ci traghetta dall’infanzia all’età adulta, l’adolescenza è il luogo transitorio delle inquietudini, delle trasformazioni, il luogo dove i sogni e i desideri, provenienti con incanto infantile dalla spensieratezza dell’infanzia, si proiettano al futuro dialogando (e sovente scontrandosi) con la realtà. Come le fiabe ci insegnano, questo è però il viaggio necessario a comprendere chi siamo anche e soprattutto attraverso il dialogo con le nostre paure più profonde. Così in Simposio del Silenzio: uno racconto tra danza, clownerie e teatro, pensato e costruito come un viaggio fiabesco nel mondo oscuro dell’inconscio, le cui geografie si ispirano alle opere illustrate di Lorenzo Mattotti. Al centro della storia è l’inquietudine e la fragilità di una giovane protagonista e la sua goffa relazione interrogativa con grossi e pesanti libri a popolare la scena. Come portatori di ipotetiche risposte e strade percorribili, questi oggetti, quasi dotati di vita propria, la accompagnano in un viaggio verticale alla ricerca di sè che quasi ricorda gli scenari illogici dell’Alice di Carroll durante la celebre caduta nella tana del bianconiglio. Da questa caduta all’indietro, immagini e movimenti si susseguono, per dare vita a simboli dell’inquietudine infantile, attraverso gli scenari torbidi di una narrazione dedicata al dubbio, all'incertezza, alla precarietà dell’io. Come in ogni fiaba di crescita, la narrazione insiste e ritorna sulle dinamiche generate dalla domanda e dal desiderio di equilibrio di fronte all'ostacolo, alla prova da superare, al luogo sicuro e all'ordine da conquistare: abbandonando la certezza presunta di un centro, il racconto si lancia nella precarietà del moto, nella ricerca di un temporaneo luogo sicuro, di un ordine plausibile, per restituirci infine l'unica certezza possibile: che nulla resta mai uguale a se stesso e che la condizione di domanda è l'unica via per la crescita, il cambiamento, la scoperta. sinossi La giovinezza è finita, la fantasia sta svanendo, i sogni si allontanano e diventano ricordi, poi pensieri che si mescolano alla realtà. Una serie di grossi libri enigmatici popolano la scena costruendo fantasie controverse, raccontando le nostre inquietudini, le nostre speranze, mostrandoci le paure che risiedono nei nostri cuori, chiedendoci infine di non lasciar scappare la magia dell’infanzia neanche quando saremo vecchi. Simposio del silenzio è una fiaba sulla precarietà: il peso, l’equilibrio, il rischio, il conflitto dualistico e l’ineluttabile desiderio di un’irraggiungibile armonia unitaria, un viaggio fiabesco nel mondo oscuro dell’inconscio, luogo in cui risiede il nostro sé implicito, nel quale è necessario recarsi per poter conoscere le profondità del proprio essere, della propria complessità, tuffandosi nell’oscurità della propria essenza nella speranza di riemergere in un nuovo sé unitario e integrato.
Residenza interconnessioni 2018 Wallpaper

Residenza interconnessioni 2018 Wallpaper

Come l’identità umana indagata nei suoi vari strati che si accumulano, nascondendo debolezze e sentimenti in Wallpaper di e con Sara Angius (originaria di Sassari ma d’adozione e formazione tedesca), con la partecipazione di Loretta D’Antuono (Milano), dei tutor Anthony Mathieu e Simonetta Pusceddu,.e le donne panificatrici del Borgo del Pane di Settimo San Pietro che hanno rappresentato un interessante contrasto, la semplicità e l’onestà del gesto di fare il pane e anche un certo ritmo metodico ma naturale, costituito da un’antico strumento quale un setaccio dei primi dell’800 manipolata da un’anziana signora, in opposizione all’artificio rappresentato da due personaggi danzatrici in scena e dalla giovane violinista. La bellezza del rito antico della produzione del pane sublimata dalla poesia del linguaggio del corpo, della danza. L’arte come strumento per riattivare la memoria e l’identità di un luogo, reinterpretarlo e raccontarlo, in una rispettosa armonia tra spazio e tempo, corpo e ambiente, architettura e movimento, luci naturali e arti visive. Le donne panificatrici settimesi e il processo “sacro” di “spongiai su pani”, ovvero lavorare l’impasto della farina con le nocche delle dita a pugno, scandiscono il tempo della memoria con il ritmo e il suono del setaccio della novantottenne “madre del pane” Bonaria Ghironi, ed entrano nella drammaturgia della creazione insieme agli artisti in scena. , spiega sorridendo l’anziana panificatrice., che in scena con della violinista Elsa Paglietti della prestigiosa Accademia di S.Cecilia a Roma, ha dettato il ritmo delle azioni delle danzatrici, agendo con il suo setaccio (antico più di 150 anni) da dietro un grande tavolo, come in un quadro apostolico, composto da sole donne, Un quadro questo di “Wallpaper”, di pura poesia e danza dipinto all’interno di “Interconnessioni”. coreografie: Sara Angius interpreti: Sara Angius, Loretta D'Antuono musica dal vivo: Elsa Paglietti,Violino tutor: Anthony Mathieu e Simonetta Pusceddu Le donne panificatrici del Borgo del Pane di Settimo San Pietro
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